Traumreise der Möglichkeiten
von Felix Gerhard (14. April 2015)
© Thomas Bachmann
Endlich, will man sagen, wird der Buch- und Theatererfolg Tschick auch im ETA-Hoffmann-Theater in Bamberg aufgeführt. Vergangenen Sonntag war es soweit. Eine Traumreise durch das Leben der Jugend, oder zumindest ihrer Möglichkeiten, ist ja auch egal, Hauptsache, man hat seinen Spaß.
Manche Geschichten erzählen sich wie von alleine. Tschick ist so eine, diese rasante Geschichte um Maik Klingenberg und seinen Freund Tschick, die in den Sommerferien ein Auto ›ausleihen‹, um damit in die Walachei zu fahren und unterwegs nicht nur seltsame Typen, sondern auch das Leben und die Freundschaft kennenlernen, womit die beiden gleich ein Stück Kindheit hinter sich lassen. Es dürfte kaum jemanden geben, der von Wolfgang Herrndorfs Roman nicht schon zumindest etwas gehört hat. Und auf den Bühnen der Republik hat es sich in den letzten Jahren zu den meistgespielten Stücken etabliert, bevor es endlich auch im ETA-Hoffmann-Theater inszeniert wurde.
Augenschmaus und Ohrengraus – ein moderner Ballettabend in drei Teilen
von Verena Bauer (13. April 2015)
© Henning Rosenbusch
Kraftvoll für die Augen, etwas zu kraftvoll für die Ohren – so kann man die erste halbe Stunde des dreiteiligen Ballett-Abends »Hypnotic Poison«, der aus unterschiedlichen Blickwinkeln das Thema »Leidenschaft« beleuchtet, umschreiben. Die Kreation des Stuttgarter Choreografen Demis Volpi, gleichzeitig titelgebende des gesamten Balletts, hat großes Potenzial, mit emotional aufgeladenen Stories und kraftvollem Körpereinsatz des Tanzensembles das Publikum in seinen Bann zu ziehen, wären da nicht die Geräusche, die aus dem Lautsprecher ertönen.
Da ist zunächst ein schrilles Lachen, am Anfang lediglich irritierend oder gar amüsant, irgendwann nur noch störend, bis man sich zuletzt nur noch die Ohren zuhalten möchte. Was dazu getanzt wird ist sinnlich und aufreibend zugleich, geht aber völlig unter in der Geräuschkulisse. Dann ist da ein Mädchen auf der Bühne, das von einem Verführer in die Falle gelockt wird. Man möchte mitfühlen, fast spürt man die Angst – wäre da nicht die Hintergrundmusik, die einen davon abhält. Auch als der Fischer von der Nixe ins Wasser gelockt wird, kann der Funke einfach nicht überspringen. Zu viel Geräusch ist da, das sich unangenehm ins Innere des Gehörs frisst.
Eine regelrechte Wohltat ist dagegen die zweite Choreografie des Coburger Ballettdirektors Mark McClain. Sechs Frauen in unterschiedlichen, schwarzen Abendkleidern erzählen, jede für sich, ihre Geschichten von der Liebe. Da kommen die unterschiedlichsten emotionalen Bandbreiten zusammen, von der wehmütigen, unerwiderten Liebe über die Reize einer Hass-Liebe bis zum Schmerz des gebrochenen Herzen. Die Tänzerinnen bewegen sich mal leicht, mal mit intensivem Körpereinsatz zu jazzigen Sounds von Billie Holiday bis Aretha Franklin. Zwar ist hier nicht viel Neues zu sehen, das Bewegungsrepertoire bleibt im Großen und Ganzen klassisch. Doch was die Frauen ausdrücken, kauft man ihnen einfach ab. Hier springt der Funke über, man fühlt mit, wird von den Emotionen eingenommen und von den Stories mitgerissen. So sanft wie sie begonnen hat, klingt diese zweite und vielleicht schönste halbe Stunde des Ballettabends aus.
Was uns das Flusspferd lehrt
von Philipp Schlüter (07. April 2015)
Nein, die Übergangsphase zwischen der Jugend und dem Erwachsenenalter ist nichts für Weicheier. Wenn es dann auch noch mit der Liebe nicht so recht klappen will, kann man sich schon mal fühlen, wie ein Frosch im Mixer. Oder wie ein Flusspferd in der Großstadt.
In Arno Geigers neuem Roman Selbstporträt mit Flusspferd findet sich der 22-jährige Julian in genau dieser Situation wieder. Die Trennung von seiner Freundin Judith hat er herbeigesehnt, doch als es wirklich dazu kommt, fühlt er sich wie aus Zeit und Welt gefallen. Der Student der Veterinärmedizin wandelt fragenvoll durch Wien und zum Ende des Sommersemesters sieht sein Gemütszustand folgenermaßen aus: »Einsam und verwundet lag ich da inmitten dieser betriebsamen Welt.« Wenn einem selbst die Birne von etwas dröhnt, dann reicht manchmal die Anwesenheit von etwas oder jemandem, der mit diesen Dingen absolut nichts am Hut hat. Solch einen stillen und gleichsam außergewöhnlichen Teilhaber findet Julian in einem Zwergflusspferd. Durch seinen Freund Tibor lernt er Professor Beham kennen, der in seinem Garten, wie Geiger es selbst in einem Interview auf der Leipziger Buchmesse formulierte, dieses »vollkommen unevolutionäre Wesen« für die Dauer eines Sommers beherbergt.
Typisch für das Genre des Adoleszenzromans ist die Oppositionshaltung der Hauptfigur. Dieser Gemütszustand kann sich sowohl nach innen, gegen frühere Einstellungen, als auch nach außen, gegen das Gesellschaftssystem, richten. In Geigers Buch begegnet uns ein Julian der beides vereint: Zerrissen zwischen Innen- und Außenwelt pendelt er zwischen Selbstmitleid und Selbstsicherheit. Bei der Stichwortschmeißerei »Adoleszenzroman« soll es aber nicht bleiben – verrät es doch konkret wenig über diese gelungene Eigenkomposition der Entwicklungsromangattung. Ursula März hat Selbstporträt mit Flusspferd in ihrer Rezension in der der ZEIT dem Genre des Bildungsromans zugeordnet. Doch weder steht die positive Charakterentwicklung des Protagonisten noch die Ausbildung bestimmter geistig-ästhetischer Fähigkeiten im Mittelpunkt des Buches. Julians Entwicklung läuft nicht zwanghaft auf irgendetwas zu. Der Autor gewährt seiner Figur im Bereich der persönlichen Entwicklung völlige Freiheit. Er zeigt, wie es sein könnte, wenn jemand seinen Platz in der Welt noch nicht gefunden hat, ohne zu bagatellisieren. Das Ende des Romans lässt maximal eine Ahnung im Leser aufkommen, dass Julian auf einem guten Weg sein könnte: »ich rannte mitten hinein, hinein in dieses Unfassliche, hinein in die sich öffnende Wildnis des Erwachsenenlebens, in die schöne, bedrohliche, mir unbekannte Welt.«
Sand in den Wunden
von Felix Gerhard (02. April 2015)
© Denis Meyer
Das Leben ist nicht schön, oder vielleicht doch, man weiß es nur nicht. Wenn man sich damit abgefunden hat, könnte es vielleicht dann doch ganz schön sein. Aber wo liegt dann der Sinn? In etwa darum geht es in Samuel Becketts Endspiel, womit das WildWuchs-Theater vergangenen Donnerstag Premiere gefeiert hat. Wo waren wir stehengeblieben?
Ach ja. Nein, doch nicht. Es bleibt wohl so, nichts Genaues weiß man nicht. Weder sagt Beckett einem in seinem Stück was Genaues, noch weiß man, ob gerade darin vielleicht der Sinn liegt, dass man nichts weiß. Zum Glück gibt es aber noch ein paar Dinge, die zumindest so scheinen, wie wir sie kennen. Damit kann man umgehen. Vier Personen sind auf der Bühne, die vier haben Namen, die die Personen bezeichnen, Nagg, Nell, Hamm, Clov. Von links nach rechts: In der Tonne der Vater, in der anderen Tonne die Mutter, beide stecken darin fest und können schlecht sehen und hören. In der Mitte der Sohn im Rollstuhl, blind und lahm. Und immer auf den schmerzenden Beinen der Diener, der sich nicht setzen kann. Ein Wecker ist ein Wecker, ein Bootshaken ein Bootshaken und ein Fenster ein Fenster, durch das man in den Rest der Welt schauen kann, also den Rest, der von ihr noch übrig ist. Die Figuren sehen aus, wie man sich vermutlich in den 80ern vorgestellt hat, wie man sich in den 30ern die Endzeit vorgestellt hat. Beige, Leinen, Sand und eine abgefahrene Blindenbrille für den Impresario in der Mitte. Daran wird sich nichts ändern, daran kann man sich festhalten, während die Dialoge abgleiten. Viel mehr Möglichkeiten hatte Regisseur Frank Froeba bei den genauen Regieanweisungen des Stückes auch nicht. Das ist die Konstellation, der Rest ist beredtes Schweigen.